Êtes-vous allé au théâtre récemment? Probablement pas. Moi, j’y vais assidûment depuis 15 ans. Or, depuis peu, je comprends pourquoi la plupart des mes connaissances ont déserté les salles de théâtre: tous les spectacles se ressemblent. À quelques rares exceptions, on a l’impression d’avoir vu une pièce avant que le rideau ne se lève.
La raison en est fort simple. À Montréal et à Québec, ce sont toujours les mêmes 10 ou 12 personnes qui signent la majorité des productions importantes. À chaque saison, ces gens jouent à la chaise musicale, passant indifféremment d’une compagnie à l’autre, avec leur équipe de fidèles comédiens et concepteurs.
Ce petit groupe façonne à lui seul le paysage théâtral en imposant sa vision, ses lectures, ses angoisses et son esthétisme. Je veux parler du petit cercle de metteurs en scène (et directeurs artistiques, mais les uns sont souvent les autres) qui forme le cabinet ministériel du théâtre québécois.
***
Avant tout, rendons à César ce qui lui revient. En Europe et en Amérique, les metteurs en scène ont révolutionné la pratique du théâtre. De Jacques Copeau à Peter Brook, en passant par Giorgio Strehler (et de Jean Gascon à Serge Denoncourt, en passant par les Robert Lepage et Gilles Maheu), le métier a eu son lot d’artistes visionnaires. Des femmes et des hommes qui ont contribué à moderniser l’art dramatique et à immortaliser la parole des auteurs. Que serait l’oeuvre dramatique de Genet sans Roger Blin, ou celle de Tremblay sans Brassard…
Jusqu’au jour où leur travail est devenu sacré; et leur autorité, intouchable. En un demi-siècle, les metteurs en scène sont devenus les rois et maîtres d’un art qui existe depuis plus de 2500 ans!
Tel un couturier, le metteur en scène appose désormais, de connivence avec la direction artistique, "sa" griffe sur "sa" production. Certains, à l’ego démesuré, prennent bien soin que cette griffe soit reconnaissable entre toutes les autres.
En ce sens, le théâtre dominant – j’exclus, bien sûr, les productions expérimentales, les créations collectives ou les spectacles en marge – le théâtre institutionnel, donc, ressemble de plus en plus à la mode. Le spectateur juge une saison d’après les audaces, les tendances et le buzz autour de l’objet créé par tel artiste, objet qui s’apparente souvent à un produit (mais ça, c’est un autre débat…).
***
Longtemps catalyseur des mouvements sociaux (les militants de Mai 68 occupaient le Théâtre de l’Odéon, à Paris, avec le soutien du directeur Jean-Louis Barrault; le débat sur le joual au Québec a connu son apogée en réaction à des pièces); le théâtre ne déchaîne plus de passions collectives. Il ne déclenche pas, non plus, de prises de conscience sociale. Encore moins de contestation. Avez-vous assisté dernièrement à une polémique entre des spectateurs chauffés à blanc à la sortie d’une salle?
Le théâtre est-il dans une impasse? Je ne suis pas le premier à poser la question. En mars 1998, l’acteur Raymond Cloutier avait tenté d’amorcer un débat en publiant une diatribe sur Le Beau Milieu. En vain.
En Belgique, le collectif TgSTAN (Stop Thinking About Names) a décidé de monter des pièces du répertoire sans metteur en scène: "L’idée de tout créer ensemble est plus excitante que celle de travailler avec un metteur en scène. Répéter, reproduire ce qu’un autre veut, ça nous ennuie. La relation de pouvoir avec le metteur en scène, on trouve ça révoltant", expliquait l’un de ses acteurs au magazine Les Inrockuptibles.
À l’instar du manifeste Dogme 95, un mouvement lancé par les réalisateurs Lars Van Trier et Thomas Vinterberg qui défendent un cinéma d’avant-garde et artisanal contre le conservatisme de l’industrie cinématographique, TgSTAN prêche pour un théâtre sans artifices, démocratique et engagé.
Ses membres ont chamboulé le processus de création. Les comédiens ne répètent pas le texte. Le soir de la première, ils jouent pour la première fois devant le public. Toutefois, durant deux mois, ils ont fait un travail de table. C’est-à-dire lu, relu, décortiqué, analysé, commenté et assimilé le texte.
"Ce qu’on n’aime pas, expliquent les comédiens belges, c’est qu’en entrant dans un théâtre, on échappe à la réalité. Nous, on part des textes de théâtre (Büchner, Ibsen et Müller font partie de leur répertoire) pour arriver au réel."
La réalité. Voilà justement une notion avec laquelle nos metteurs en scène semblent peu à l’aise. Ils auraient plutôt tendance à faire tout pour la fuir. Ils préfèrent faire rêver le public (des méchantes langues vous diront l’endormir!) plutôt que de le secouer dans ses valeurs et ses idéaux.
Sans vouloir être prophète de malheur, si la tendance esthétisante se maintient, le théâtre finira par devenir comme l’opéra: un art bourgeois qui réconforte l’élite. Le milieu théâtral doit donc réfléchir sur cette "supériorité" du metteur en scène et les conséquences que cela entraîne quant à la facture des spectacles présentés dans les institutions.
Un tel examen de conscience ne signifie pas qu’il faille éliminer le metteur en scène. Il a sa place. C’est indéniable. Mais pas TOUTE la place.