Au 65e Festival de Cannes, il pleut sur la Côte d’Azur tandis que de grands réalisateurs redonnent au méloses lettres de noblesse. À quelques jours de la remise de prix, deux noms reviennent souvent lorsqu’il est question de la Palme d’or : Jacques Audiard (Grand prix du jury en 2009 pour Un prophète) et Michael Haneke (Palme d’or en 2009 pour Le ruban blanc), qui offrent deux films magistraux, deux bouleversantes histoires d’amour.
Dans De rouille et d’os d’Audiard, c’est sous le soleil de la Côte d’Azur que se déroule la rencontre entre une dompteuse d’orques amputée des deux jambes (Marion Cotillard) et d’un boxeur père de famille monoparentale (Matthias Shoenarts). Aussi sombre que lumineux, ce mélodrame où le sort s’acharne sur les deux protagonistes que tout sépare séduit par la fluidité de sa mise en scène et la puissance de ses interprètes.
« J’avais envie du soleil de la Côte d’Azur, expliquait Audiard jeudi dernier. Après un film de prison très masculin, sans lumière, j’avais ce désir de raconter une histoire d’amour sur écran large, en couleurs. Ce sont des personnages en temps de crise, ce qui nous a intéressé très vite, le scénariste Thomas Bidegain et moi, c’est qu’ils allaient subir de grandes transformations. Stéphanie découvrira qu’elle peut s’abandonner; Sam, embarrassé par son corps, va apprendre à dire ‘je t’aime’. »
« Je n’ai pas l’impression que ces deux personnages soient si loin du quotidien de beaucoup de gens,croit Cotillard. On a tous des épreuves, on a tous un instinct de vie, on partage tous sur cette planète la recherche du bonheur. »
« J’avais envie de donner une voix aux gens qui n’en ont pas, a déclaré Shoenarts à propos de son personnage. Je crois que c’est ce qui donne du sens à notre métier. Malgré les ressemblances, Jacky (Bullhead) et Sam sont totalement différents : Jacky est déprimé, absorbé par son drame; Sam est sincère, simple. En fait, De rouille et d’os, c’est une histoire de réconciliation entre l’homme et la femme, le père et le fils, le frère et la sœur, l’homme et l’animal. »
Campé dans un chic appartement parisien, Amour de Haneke traite de la dégradation du corps à travers le destin d’un couple d’octogénaires (magnifiques Jean-Louis Trintignant et Emmanuelle Riva) dont l’épouse perd sonautonomie après une attaque. D’une précision chirurgicale, dénué de pathos, ce huis clos offre une vision sans complaisance de la vieillesse.
« Je n’écris jamais un film pour montrer quelque chose, dévoilait Haneke après la projection du film. En vieillissant, on est confronté à la souffrance des gens âgés, on apprend à gérer la souffrance de ceux qu’on aime. Amour n’est pas un regard sur la société. »
« C’était un grand bonheur de travailler avec Michael, mais c’était très difficile, se souvient Trintignant, pince-sans-rire. Il est très exigeant et connaît toutes les disciplines du cinéma; je ne vous le recommande pas. C’est la première fois que je suis satisfait de m’être vu à l’écran. C’est peut-être prétentieux, alors pardonnez-moi. »
« J’avais une grande confiance en Michael, en sa grande justesse, a commenté Riva avec sa voix superbe. Lorsqu’il m’a dit ‘surtout pas de sentimentalité’, cela a déligoté toutes mes craintes. Je ne me reconnais pas dans ce film;je savais que je n’entrais pas dans un univers de beauté. C’est très particulier de jouer un personnage qui se dégrade, mais je courais vers le plateau tellement j’avais hâte de reprendre la communication. »
Autre histoire d’amour tragique que celle que nous propose Cristian Mungiu (Palme d’or en 2007 pour 4 mois, 3 semaines, 2 jours) dans Au-delà des collines où une jeune fille éprise de Dieu (Cosima Stratan, sensible) tente de protéger son amie (Cristina Flutur, fiévreuse), qui n’accepte pas d’être supplantée par Dieu, des mains du pope tyrannique à la tête de leur petite communauté religieuse. Lent, dépouillé, suffocant, ce drame dérangeant se termine sur une note aussi inattendue que réjouissante qui bouscule l’ordre établi depuis le début.
Spécialiste des histoires de familles tragiques,Thomas Vinterberg (prix du jury pour Festen en 1998) relate le récit pathétique d’un homme faussement accusé de pédophilie. Porté par le jeu magistral de Mads Mikkelsen, La chasse s’avère un drame des plus prenants, bien qu’ilrepose sur un récit aux airs de déjà-vu et une mise en scène assez conventionnelle, dont la fin donne froid dans le dos.
La chair est triste chez Ulrich Seidl qui, dans Paradis: Amour, livre une illustration crue et frontale de la prostitution masculine au Kenya à travers la quête d’amour d’une quinquagénaire enrobée (Margarethe Tiesel, d’une grande justesse). Film choc s’il est en est, Paradis : Amour perd de sa force au dernier acte en tombant dans la redondance.
Doyen de la compétition, Alain Resnais s’amuse à brouiller les frontières entre le théâtre et le cinéma, comme il sait si bien le faire, alors qu’il convie quelques piliers de sa famille d’acteurs, dont Sabine Azéma, Pierre Arditi et Lambert Wilson, pour une émouvante et ludique réflexion sur la vie, l’art et la mort. Notez que Vous n’avez encore rien vu n’est pas une œuvre testamentaire malgré son enveloppante atmosphère crépusculaire.
« Je fais des films comme un bricoleur, avouait modestement Resnais en conférence de presse. J’essaie de ne pas me répéter. Si j’avais pensé que ce film était un testament, je n’aurais eu ni l’audace ni l’énergie de le tourner. Le véritable magicien, c’est le directeur photo Éric Gautier. Chaque fois un phénomène surnaturel se produit quand je cherche un plan. Nous avons cette passion, nous ne cherchons pas des éclairages réalistes; l’essentiel, c’est de donner une impression de magie à l’image. »
Notes légères
Si la souffrance, la tristesse et la mélancolie se retrouvent au premier plan, trois réalisateurs ont opté pour la légèreté. En guise de film d’ouverture, Wes Anderson nous transporte dans les années 60 pour raconter l’idylle de deux pré-ados tourmentés.Visuellement époustouflant, défendu par le jeu savoureusement décalé des Bill Murray, Bruce Willis et cie., Moonrise Kingdom n’arrive pas à décoller à cause d’un récit peu captivant.
Après le percutant Gomorra, Matteo Garrone propose Reality, amusante charge satirique contre la télé-réalité en forme de conte moderne où le héros, poissonnier cabotin incarné par l’énergique Aniello Arena (qui n’a pu sortir de prison pour la durée du festival) est obsédé à l’idée de devenir une vedette instantanée. Rafraîchissant mais peu mémorable.
Il y a peu de chance que Ken Loach (Palme d’or en 2006 pour The Wind that Shakes the Barley) rejoigne le club des double-palmés avec The Angels’ Share. Charmante et pétillante comédie sociale où de jeunes délinquants, le conquérant Paul Bannigan à leur tête, s’improvisentarnaqueurs dans l’univers des collectionneurs de whisky. Pas un grand cru, mais pas mal du tout.
Ayant partagé sa Palme d’or pour Legoût de la cerise en 1997 avec L’anguille d’Imamura, Abbas Kiarostami repartira sans doute bredouille cette année, son film Like Someone in Love ayant été le plus mal accueilli de cette 65e édition. Il est vrai que ce récit décousu sur la rencontre d’une jeune escorte (Rin Takanashi, décorative) et d’un vieux professeur (Tadashi Okuno, attachant) ne va nulle part – malgré les nombreuses ballades en auto à Tokyo! Décidément, l’Italie lui sied mieux que le Japon.
La palme de la plus grande déception revient cependant à Hong Sangsoo qui dans l’échevelé et chaotique In Another Country, réussit l’exploit de faire jouer faux Isabelle Huppert. Qui sait, David Cronenberg réussira peut-être à faire de Robert Pattinson un acteur dans Cosmopolis…
Enfin, ce matin était présenté Killing Them Softly d’Andrew Dominik, où BradPitt incarne avec brio un tueur à gages préférant tuer à distance pour éviter à ses victimes des moments embarrassants. À l’opposé du contemplatif The Assassination of Jesse James by the Coward Robert Ford, ce western urbain à l’humour corrosif campé durant la dernière campagne présidentielle se développe en un rythme vif ponctué d’éclatants moments de violence stylisée.
« Jesse James, c’était une chanson de Leonard Cohen, pour celui-ci, j’ai essayé de faire une chanson pop, a raconté le réalisateur. Je ne comprends pas cetteobsession contre la violence. J’aime la violence au cinéma. En fait, mon film suggère d’avoir une bonne santé mentale, de trouver l’équilibre entre la notion de plaisir et le sentiment de culpabilité. »
Pour sa part, Pitt, aussi producteur du film, a confié : « Je n’ai pas du tout de problème à jouer un tueur en série même si j’ai des enfants. J’aurais plus de problème à jouer un personnageraciste. On vit dans un monde violent. Je ne conçois pas le monde sans violence. »