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Cendres de Menka Nagrani : redorer l'identité québécoise
Scène

Cendres de Menka Nagrani : redorer l’identité québécoise

Quelques jours avant la première de Cendres au Théâtre Prospero, spectacle alliant danse contemporaine, théâtre, danse percussive et gigue, Menka Nagrani, initiatrice du projet, nous livre l’essence de la pièce et les coulisses de la création.

Léa Villalba: Tout d’abord, comment te sens-tu à quelques jours de la première?

Menka Nagrani: «Très excitée. Je pense qu’on est prêts. Évidemment, on ne peut pas tout prévoir, mais on est prêts à affronter l’entrée en salle et le spectacle, une journée à la fois.»

Quelle réflexion est à l’origine de ce projet?

«Depuis quelques années, je cherche à réinvestir nos traditions culturelles québécoises, notamment la gigue et nos chansons traditionnelles, les complaintes. Je souhaite les intégrer dans une démarche contemporaine. Mon but est vraiment de dépoussiérer notre culture et notre patrimoine, qu’on a un peu laissés tomber…»

Il existe un réseau des arts traditionnels du Québec, mais qui reste assez petit. Comment l’expliquer?

«Nos bands de musique traditionnelle tournent partout dans le monde sauf au Québec et je trouve ça triste. J’explique ça par un manque de fierté, en tant que peuple colonisé peut-être. Aujourd’hui, on associe notre culture à du kitsch, à quelque chose de quétaine qui se vit seulement à des occasions précises (cabane à sucre, jour de l’An) et je trouve ça vraiment dommage. Quand on s’y penche vraiment, il y a des bijoux dans les arts traditionnels et ils sont mal connus.»

Et une fois cette envie d’actualiser les traditions culturelles québécoises, par quoi as-tu commencé pour créer cette pièce?

«Bien avant le début de la pièce, j’ai formé des acteurs à la gigue pendant un an et demi. C’était vraiment difficile à apprendre et ils ont travaillé très fort. C’est un instrument de musique en soi, la gigue! Aussi, je savais que je voulais intégrer un personnage avec une déficience intellectuelle parce que je voulais travailler avec Gabrielle Marion-Rivard, qui a déjà une base en gigue et qui possède l’oreille absolue.

Ensuite, il me fallait une histoire qui colle à mon casting. J’ai donc fait appel à Emmanuelle Jimenez pour écrire un texte ancré dans la québécitude. Après de longues discussions, on a trouvé l’idée principale: une famille qui passe au feu. Ainsi, les personnages sont dépossédés de tous leurs biens. Qu’est-ce qu’il reste après un tel événement? Il reste les souvenirs, la mémoire? Ça fait un beau lien avec ce qu’il reste de nos traditions, je trouve. Puis, ça permettait de partir d’un contexte de fin du monde. Tout ne tient qu’à un fil et on ne sait pas pour combien de temps encore…»

Est-ce qu’on doit s’attendre à quelque chose de sombre et fataliste?

«Je ne dirai pas sombre, non, pas du tout. Au contraire, c’est assez coloré avec la danse, le chant, la gigue et les rythmes. Emmanuelle a un beau sens de l’humour aussi. C’est un texte très poétique qui va en profondeur dans les sujets, mais qui réussit à prendre du recul, à se détacher.»

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Une fois le texte et les thématiques définis, comment avez-vous combiné les différents arts?

«Je suis allée faire les chorégraphies de mon bord et Emmanuelle est allée écrire la version longue du texte. Quand j’ai eu la version finale du texte, j’ai créé les pas de gigue avec une artiste en danse, Mélissandre Tremblay-Bourrassa, avec qui j’explorais, je faisais des tests. Je pouvais alors être efficace et amener du matériel complètement écrit aux interprètes. Par la suite, j’ai adapté le texte en y intégrant les musiques, les chants et les chorégraphies. Au final, c’est peut-être ma pièce la plus théâtrale par rapport à d’autres qui étaient plus dansées. Pour moi, c’est une pièce de théâtre dansée et chantée ou du théâtre musical avec de la danse (rires).»

Te sens-tu inspirée par la comédie musicale en général?

«J’ai réfléchi à propos des comédies musicales. En tant qu’artiste multidisciplinaire, j’aime les comédies musicales, j’aime aller à New York pour en voir. Mais je trouve que ça s’inscrit dans un contexte qui leur appartient et je ne comprends pas pourquoi ici on veut remonter Mary Poppins puis Grease. C’est comme un copier-coller de la culture américaine alors qu’on en a nous aussi des traditions et une culture qui nous appartient et qui est proche de nous! Ça revient encore au manque de fierté. Pourquoi dans les écoles de théâtre, les élèves apprennent la claquette américaine et pas la gigue?! À la Révolution tranquille, on a jeté nos traditions pour une ouverture sur le monde. C’est super, l’ouverture, mais à l’ère de la mondialisation, qu’est-ce qui nous différencie nous?»

Donc, finalement, dirais-tu que tu as voulu t’éloigner de la forme comédie musicale?

«Je cherche une sorte de fusion sans trop de couture apparente entre chaque art. Je recherche la fluidité, contrairement aux comédies musicales où il y a des coupures très nettes entre les parties de textes et les parties chantées par exemple. Je voulais quelque chose de plus entremêlé.»

Tu as donc choisi tes interprètes avant d’avoir le texte et une idée finie de la pièce. Comment les as-tu choisis? Quelles qualités recherchais-tu chez eux?

«Ça me prenait des acteurs. Puis je savais que je voulais travailler avec Gabrielle. Elle avait développé une belle complicité avec Olivier Rousseau dans ma pièce Bonne fête! en 2017 donc ils avaient déjà un pied dans ma démarche. Pour Marilyn Perreault, ça s’est fait par audition. Je cherchais quelqu’un d’habile dans les jeux rythmiques, motivée à apprendre la gigue et ayant une bonne dose de théâtralité.»

En parlant de Gabrielle, quelles sont les particularités et quels sont les défis de travailler avec une personne avec une déficience intellectuelle?

«Je trouve que ça enrichit énormément le personnage de Viviane que joue Gabrielle. Ça amène beaucoup de fraîcheur, de candeur et un jeu brut, qui n’est pas intellectualisé. Ça m’inspire beaucoup et on a beaucoup appris d’elle. C’était vraiment super de l’avoir avec nous. En plus, elle est super motivée, c’est une boule d’énergie pendant les répétitions!

Après, c’est sûr que ça allonge le processus. Ça demande plus d’heures de répétitions et plus d’implication. Je lui fais du coaching individualisé, par exemple, pour l’aider à apprendre son texte, mémoriser les notes et travailler les chorégraphies. Ça demande aussi un encadrement et une organisation avec les transports adaptés. Le soir, parfois, il n’y a en a pas à l’heure où on finit alors elle dort chez moi. On déploie beaucoup de moyens, mais ça en vaut la peine. On est vraiment dans l’humain quand on travaille avec Gabrielle.»

Et pour les autres interprètes, comment s’est passé le processus?

«Je pense que ce sont des acteurs qui aiment les défis (rires)! Je crois que ça a été vraiment l’fun pour eux, même si on a pu vivre des difficultés. Mais maintenant, on a plus de tabous, on se dit les choses comme elles sont et on a développé une réelle complicité.»

À travers cette complicité familiale sur scène, qu’est-ce que tu cherches à créer chez le spectateur?

«J’aimerais que les gens ressortent du théâtre avec une nouvelle image de la gigue québécoise et de la musique traditionnelle, qu’ils se rendent compte que ce n’est pas obsolète, que ça peut se réincarner dans une démarche actuelle. Il y a aussi un questionnement sur l’identité. Évidemment, la pièce est ancrée dans la québécitude par les mots et le texte, mais il l’est aussi par le corps. Ça permet une réelle identification, je pense, et donc un questionnement.»

Du 19 février au 9 mars
Théâtre Prospero